АБАЖУР

Элегантные драпировки окон выглядят очень по-женски, и без них нельзя обойтись в традиционной спальне. Такие необходимые аксессуары, как подхваты на занавесках, являются важными декоративными деталями.  ОТДЕЛКА КИСТЯМИ Тяжелый отделочный шнур плюс боль­шая кисть - и в мгновение ока по­лучается потрясающий прихват. Какие бы подхваты мы ни выбрали - сшитые по правилам, с большими кистями или обильно украшенные, или просто из атласных ленточек, они выразят нашу индивидуальность. Длина прихвата зависит от плотности ткани: чем тяжелее материя и чем больше складок, тем длиннее должен быть прихват. Цвет прихвата может сочетаться по тону с цветом занавески, а может и контрастировать с нею. Сильное впечатление производит яркий цвет прихвата на фоне белой или кремовой занавески. МОРСКОЙ стиль Прихват в морском стиле сделан из ку­ска рыболовной сети, украшенной ра­кушками. Просверлите в каждой ра­кушке маленькое отверстие, а затем крепкой ниткой пришейте их к сети. ЗАВЯЖИТЕ ВЕРЕВКОЙ Веревка из на

Занавески в спальне выполняют более важную функцию, чем в других комнатах дома. Их предназначение - обеспечить уединение. Весной и летом, когда солнце встает рано, нужно ограничить доступ света.  ПЕРЬЯ НА ГАРДИНАХ Натуральные перья могут стать пре­красной отделкой для гардин, посколь­ку они бывают очень нарядными, но не вызывающими. Они подойдут любой цветовой гамме, так как чаще всего бывают нейтральных, пастельных или приглушенных тонов. Пришейте пушистые перья по краю гардины. Этот отражаю­щий свет декоративный элемент прида­ет занавеске великолепный вид. Ствол каждого пера пристрачивает­ся к кромке ткани, а сверху можно при­шить крошечную стеклянную бусину.  Мягкие прозрачные ткани, пропускающие свет, всегда приятны в спальне.  Хорошо сочетать прозрачные гардины с тяжелыми портьерами впереди или со шторами или жалюзи сзади.  УКРАШЕНИЯ ИЗ ЛЕНТ Эту идею можно реализовать в любое время года. Летом возьмите ленты из просвечивающей органзы, к концам которых прикрепите бусины или сухие ц

Бутоньерка в волосах Бутоньерка - это украшение в волосах или платья из живых цветов. Цветы - лучшее украшение и прически, и платья. Правда, без воды живые цветы быстро вянут. Но несколько часов они выдержат. Цветы в волосах должны либо оттенять прическу, либо контрастировать с ней. К очень строгой прическе подходят орхидея, гвоздика или роза. К пышным, свободно ниспадающим волосам подбирают цветы более скромные - ландыши, душистый горошек. В зависимости от фасона, цвета и длины одежды цветы на платье прикрепляют по-разному: у ворота, на плече, на поясе, к подолу или к манжете рукава. Самая простая бутоньерка - из одного цветка с листом или декоративной зеленью. Также бутоньерка великолепно заменит браслет. Если нужно много двигаться, цветы лучше сплести с лентами и др. отделочным материалом. Дерзайте! Вариантов великое множество. А результат - неповторимый наряд и облик. И непременно сделайте фото на память!  

Ф. К. Винтерхальтер. Портрет французской принцессы Клементины Орлеанской. 1845 год Первая половина XIX века была временем революций и национально-освобо­дительных движений — неудивительно, что она породила героев-бунтарей, не желающих жить по законам консервативного высшего общества. Так в моду вошел ро­мантизм — сначала как литератур­ное явление, но вскоре он пропи­тал собой все культурные сферы, в том числе и моду. Мужчины выбрали для себя «мятущийся» черный цвет, дамы же облачились в белоснежный. Романтичный наряд был призван показать хрупкость своей хозяй­ки, так что талии вновь туго за­тянули в корсеты, а кринолины выросли до совсем уж необъ­ятных размеров. Из украшений наиболее высоко ценились цве­ты — их прикалывали к груди  (бутоньерки)., втыкали в волосы, держали в ру­ках как аксессуар. Тогда же по­пулярность обрели цветочные венки на голову. Другим модным трендом стали исторические и этнические мотивы. Девуш­ки стремились походить либо на красавиц со старинных поло­тен, либо

П.-П. Прюдон. Портрет императрицы Жозефины. 1805 год В конце XVIII века во Франции родился стиль, который принципиально отличался от других, более ран­них стилей. Этому способство­вали два эпохальных события: раскопки в Помпеях, которые возродили небывалый интерес к античной истории, и револю­ция, закончившаяся свержением старого строя. Яростное отри­цание всего «старорежимного» наглядно отразилось в моде: женщины отказались от жестких корсетов, огромных юбок, кру­жев, оборок и драгоценностей. Образцом для подражания стали античные женщины в прямых туниках, не сковывающих движе­ний. Белые легкие платья-шемиз дополняли короткими рукавами-фонариками и лентой-поясом, которую завязывали под грудью. После прихода к власти Наполеона новый стиль обрел окончательные черты. Создавая свою империю, Бонапарт грезил Древним Римом, так что ампир («империя» по-французски) стал более величественным и монументальным, с золотым и серебря­ным орнаментом, отсылающим к античным образцам. Женщины в новых на

Ф. Буше. Маркиза де Помпадур. 1759   Если женщина эпохи ба­рокко походила на вели­чественную позолоченную статую, то ее наследница, краса­вица времен рококо, напоминала хрупкую фарфоровую статуэтку. В XVIII веке эстетический иде­ал вновь разительно поменял­ся, перейдя от пышной зрелости к нежной юности. Но в отличие от рахитичных девочек-подрост­ков готической эпохи, прелест­ницы рококо не выглядели не­земными созданиями. Напротив, они были очень даже земными — необыкновенно чувственными и кокетливыми. В моде оказались корсеты, при­поднимающие грудь (которая те­перь соблазнительно выглядывала из глубокого декольте), и широкие юбочные каркасы — панье и фиж­мы. Из отделки приветствовались кружева и банты, а вот драгоцен­ные металлы и камни уступили место жемчугу. Но главное отли­чие от барокко крылось в цвето­вой гамме: на смену ярким краскам пришли пастельные полутона — голубой, розовый, кремовый, ли­монный, салатовый. Они оттеняли нежную кожу красавицы и делали ее моложе. Рафинированны

Неизвестный художник. Портрет Елизаветы I Английской. Конец XVI века. Стиль барокко, зародив­шийся в Италии еще в XVI веке, достиг сво­ей высшей точки развития уже в следующем столетии, во Франции. Как обычно, культур­ный маятник качнулся в другую сторону, и на смену Ренессансу, воспевающему природную кра­соту, пришел новый стиль, ставя­щий во главу угла все причудли­вое, вычурное, фантастическое. Естественные линии тела вновь оказались под запретом, но теперь их не скрывали, а намерен­но искажали — чем сильнее, тем лучше. Женщины носили корсеты, которые сплющивали грудь, и юбочные каркасы очень стран­ных форм. Длинный узкий лиф платья сильно занижал талию, из-за чего женская фигура казалась совершенно непропорциональ­ной. Но мода того времени тре­бовала изумлять своим внешним видом, так что искаженные про­порции никого не смущали. Мода позднего барокко сделалась еще более театральной, ведь тон в на­рядах задавал Людовик XIV, заяд­лый театрал и актер-любитель. В современном модном мире

Л. Лотто. Портрет венецианки в образе Лукреции Борджиа. Около 1556 года. После долгого периода аске­зы (самоограничение) в XV веке наступила эпоха необычайного рас­цвета европейской культуры. Во многом это было связано с попыт­кой западноевропейской элиты возродить эстетические идеалы античности — потому этот исторический период получил название «Возрождение»  или «Ренессанс». Вновь изменился идеал жен­ской красоты. Теперь ему соот­ветствовала молодая девушка, пышущая здоровьем. Округлые формы перестали считаться чем-то постыдным, они свиде­тельствовали о «жизненных со­ках», бурлящих в молодой кра­савице. Впервые за много веков женщины вспомнили, что у них есть грудь, и гордо выставили ее напоказ. Другим предметом гордости сделались широкие бе­дра, которые начали еще больше увеличивать в размерах за счет широких  многослойных юбок. Теперь одежда не столько пока­зывала или скрывала настоящую фигуру человека, сколько моде­лировала ее согласно модному идеалу. Но главное, в наряды пришел д

Хуго ван дер Гус. Алтарь Портинари. 1473-1475 годы. Готический период в исто­рии европейской культуры часто называют «осенью Средневековья». В эту эпоху, пришедшуюся на XIV-XV века, родился иной идеал женской красоты. На смену величе­ственным королевам раннего Средневековья пришла хрупкая девушка, почти дитя. Главными женскими достоинствами те­перь считались изысканность, утонченность и куртуазность. Туалеты, как женские, так и муж­ские, сделались еще более рос­кошными, но теперь их отличала причудливость на грани (а порой и за гранью) экстравагантности. Женщины, по-прежнему скры­вая руки и ноги, обнажили шею и плечи, за что церковь немедленно заклеймила новую моду как «дьявольскую». Но средневе­ковых модниц было уже не оста­новить, ведь они сражались за звание первых красавиц Европы на конкурсах красоты того вре­мени— рыцарских турнирах. По традиции победитель провозглашал «королеву турнира», и у кра­савицы в экстравагантном наряде имелось больше шансов выделить­ся из разноцветной жен

Английские знатные дамы. Рисунок XIX века с гравюры XIV века. Крушение античного мира и стремительное распространение христианства кардинально изменили представ­ления о красоте и моде. Главной и единственной ценностью чело­века объявлялась его бессмертная душа, тогда как греховное тело должно быть скрыто от посторонних глаз. Так мужчины получили штаны и рубахи, женщины — длинные рукава к туникам. Любое украшение одежды, будь то яркий цвет ткани или вышивка, также попало под запрет. Однако длилось целому­дрие в одежде недолго. В XI веке в Западной Европе началась эпо­ха Крестовых походов, и побы­вавшие на Востоке рыцари при­везли женам и дочерям платья необычных фасонов, забытые ткани (прежде всего шелк), эк­зотические украшения. Вскоре одежду начали подгонять по фи­гуре, для чего активно использо­вали шнуровку и еще одно араб­ское изобретение — пуговицы. Готовые наряды расшивали зо­лотыми и серебряными нитями, инкрустировали драгоценными камнями. Вернулась и цветовая символика, теперь

1. Фрагмент фрески с Виллы Мистерий. Помпеи, Римская империя, 60-50 годы до н. э. 2. В коллекции модного дома Andrew GN 2013 года ярко проявляются античные мотивы, для которых характерны легкие, развевающиеся одежды и мягкие природные цвета. Древние греки, в отличие от восточных соседей, соб­ственной наготы не сты­дились. Поэтому и греческая одежда была призвана не скрыть от посторонних глаз «постыд­ные» части тела, а, напротив, подчеркнуть достоинства фи­гуры. Основу древнегреческого гардероба 500-300 годов до н. э. составлял хитон, короткий или длинный, который старательно подгонялся по фигуре. Красота этого простого одеяния крылась в драпировке. В этом искусстве эллины достигли совершенства: они могли взять два одинаковых хитона и задрапировать их так, что они выглядели совершенно разными видами одежды. Римляне позаимствовали у гре­ков манеру одеваться, хотя и зна­чительно упростив ее. Огромное внимание они уделяли цвету одежд, ведь каждый цвет был посвящен определенному богу. Особе

Сановник Усерхет с женой Хатшепсут и матерью Твосрет перед богиней Древа Сикомора. Период Нового царства, 1438-1412 годы до н.э. Древний Египет. История моды, как и исто­рия западной цивили­зации, зародилась более 5000 лет назад в раскаленных песках пустыни, где выросли государства Древнего Египта и Месопотамии. Вся одежда жителей древних царств представляла собой длинные полосы ткани из льна, шерсти и хлопка. Сложного кроя египтяне не зна­ли: куски ткани обворачивали во­круг бедер или груди, накидывали на плечи, как плащи. Позже два куска ткани начали сшивать или скалывать по линии плеч — так появилась туника. Мужчины мог­ли носить укороченный вариант, до колен, женщины же всегда на­девали длинные, до пят, одеяния. Так как ткань стоила дорого, то со временем ее количество ста­ло определяющим фактором со­циального статуса человека. Если крестьяне довольствовались узкой повязкой на чреслах, то знать об­лачалась в длинные многослойные одежды. На многие века культура Древнего Египта оказа

Самая знаменитая картина Густава Климта (1862-1918) "Поцелуй" является одной из самых узнаваемых . С зтим изображением выпускаются записные книжки, холщовые сумки для покупок, тарелки, фотообои, постеры для украшения интерьера, футболки и много других сувениров. Существует даже колода карт для гадания, которая так и называется «Золотое Таро Климта". Причина столь безумной популярности одной-единственной картины проста. Считается, что сверкающее изображение  влюбленной пары в сплетении трав и цветов способно призвать любовь в жизнь одиноких людей и помочь сохранить ее. Судя по тому, что ажиотаж вокруг этого изображения не стихает вот уже сотню лет, примета работает. У этой картины есть и более поэтическое название "Поцелуй в звездном небе". Но на самом деле возлюбленные только готовятся поцеловать друг друга - художник считал, что предчувствие поцелуя важнее самого действия.  

Броши в стиле модерн На рубеже XIX-XX веков изменилось от­ношение к ювелирным украшениям — повседневные заколки, медальоны, броши все чаще выпускались большими тиражами и из недорогих материалов, даже не пытавшихся притворяться ценными. Алюминий, бронза, стекло не имитировали серебро или платину, золото или драгоценные камни, а оставались сами собой, ценность заключалась не в редкости или высокой стоимости изделия, а в соответствии модным тенденциям. Благодаря большим тиражам множество изделий этого исторического периода доступны и сегодня. Подлинную бронзовую брошь или, если повезет, серебряный медаль­он в стиле ар-нуво можно приобрести не так уж и дорого. Несмотря на вековой возраст, эти вещицы великолепно сочетаются практически с любым современным нарядом, от джинсов до офисного костюма.

Алмаз Хоупа   Великолепное ожерелье с синим бриллиантом, подаренное героине Уинслет в «Титанике» женихом, не вы­думано сценаристом и костюмером, а "позаимствовано" из реальной жизни. Синий бриллиант, именуемый «Королев­ским камнем» или "алмазом Хоупа", находится в Музее естественной истории в Вашингтоне. В длинной запутанной биографии старинного камня, некогда принадлежавшего ко­ролям, не значится путешествие на "Титанике".  Это одно из самых нашумевших украшений эпохи модерна. В 1911 году его приобрела чета Маклин, и новая хозяйка, не побоявшись "исторического" украшения, которое, по слухам, приносило несчастье, начала появляться в нем на светских раутах. Гру­шевидный синий камень в новой платиновой оправе с мелки­ми бриллиантами смотрелся невероятно остромодно — кам­ни неправильной формы крайне ценились на рубеже веков.  

Э. Базиле. Интерьер фойе гранд-отеля Villa igea в Палермо. Конец XIX века В конце XIX века художни­ки и архитекторы начали поиск новых изобразитель­ных форм, отказываясь от надоев­ших за столетие перепевов преж­них стилей. На первый план снова выходят целесообразность и удоб­ство вещей, но ар-нуво придает им совершенно новый облик. Основой искусства модерна стало обращение к природным формам с их непрерывным движе­нием и отсутствием прямых линий и углов. Стены и потолки, окна и двери, мебель и светильники, рисунок обоев и обивка диванов подчиняются логике прихотливых линий, причудливо струящихся, капризно извивающихся, словно расползающихся по всем поверхностям. Художники модерна ста­рались создать в интерьере цель­ный архитектурно-предметный ансамбль, объединяя в одном де­коративном стиле все элементы, от формы оконных проемов до двер­ных ручек. В новых зданиях по­мещения, освободившись от оков симметрии, располагаются в соот­ветствии с их функцией, анфилады сменяются центричной плани

"Телефонные барышни" в операционном зале. Рисунок 1902 года Женщины на рубеже XIX-XX веков стано­вились все более независимыми. Девушки стремились получить образование, позволяющее им выбирать самые разные за­нятия, чтобы самостоятельно обеспечить свое существование. Появляются всевозможные специализированные курсы — медицинские, педагогические, историко-литературные, тор­говые, курсы стенографии, машинописи, ино­странных языков. Женщины получают выс­шее образование в университетах. После 1905 года в нашей стране высших курсов стало открываться мно­жество — естественнонаучные, юридические, сельскохозяйственные, историко-филологиче­ские, коммерческие... Женщины работали уже не только продавщицами, модистками, гувер­нантками... они становились художниками, писателями и издателями, мате­матиками, химиками и физиками, предприни­мателями и исследователями. Появились авто­мобилистки, профессиональные спортсменки и даже первые летчицы — « авиатриссы ». В то время суфражистки (от фр.

Сегодня бытует выражение  - "ходит козырем", "козыряет". Выражение имеет, как правило, два оттенка. Так можно назвать  как осанистого человека так и  зазнайку. Откуда пошло такое выражение? На Руси козырем называли стоячий четырехугольный, усыпанный камнями воротник. Иметь такой воротник могли только очень богатые люди. Носить такой воротник, не поднимая высоко подбородок, было невозможно. И в давние времена, и в наше время выражение "ходить козырем" употребляется (употреблялось) по отношению к важному, осанистому человеку, выступающему уверенной поступью; или к важничающему без особой причины. Слово "козырять" было и есть синонимом слова "важничать". Бытовало и выражение "спать под козырем", надо полагать, в среде бояр - главных обладателей такого воротника, - это означало подчинение. 

Альфред Сислей - Городок Вильнев-ля-Гаренн на Сене. 1872 В своей картине Сислей сочетает классическое построение композиции с ярким, чистым цве­том. В глубине, где обычно изображались серые дали, сверкает солнце на бе­лых стенах и красной крыше, голубое небо отражается в зеркале Сены.  Англичанин, живший во Франции, Альфред Сислей (1839-1899) подружился в мастерской про­фессора Глейра с Клодом Моне, Ренуаром и Базилем. Они организовали Анонимное общество художников, выставились в 1874 г. и заслужили имя «импрессионистов». Друзья часто писали вместе на «пленэре» (открытом воздухе). Любимые ими пригороды Парижа на берегах Сены — Аржантейль, Шату, Вильнев-ла-Гаренн. Импрессионисты писали не так, как их учили, а так, как они видели — это было их главным открытием.  Друг импрессионистов, критик Арман Сильвестр говорил, что их картины напи­саны в смеющейся гамме: «Яркий свет заполняет их, и все здесь — веселье, свет, весенний праздник». Однако, живопись Сислея отличается особым, чуть грустны

Франсуа Буше (1703-1770) - Франция. Пейзаж в окрестностях Бове. Начало 1740-х Буше делал много зарисовок в окрестностях Бове, однако картина не претендует на изображение конкретного места, Ху­дожник построил эффектную композицию с водой на первом плане и ба­шенкой. Он выбрал условный, сине-зеленый колорит, где фигурка человека в красной одежде создает лишь яркий акцент, что придает картине декора­тивный характер. Возможно, это эскиз для оперной декорации, во всяком случае, пейзаж был выставлен в Салоне 1742 г. в Париже вместе с другим те­атральным эскизом. В XVIII веке Франсуа Буше был одним из законодателей декоративного сти­ля рококо, который стал стилем изысканных особняков парижской знати. Уставший от тяжеловесной роскоши эпохи «короля-солнца» Людовика XIV, от официальных ритуалов в Версале, Париж жаждал легкости и изящества.  Буше делал живописные панно для будуаров и гостиных, рисунки предметов прикладного искусства, театральные декорации и эскизы для тканых ковров — шпалер. Окол

Гюбер Робер (1733-1808). Франция. Развалины террасы в парке. Начало 1780-х Не­большие размеры и горизонтальный формат этого пейзажа придают ему ин­тимность. Картина во многом фантазия художника, построена по традици­онной классической схеме, с кулисами и сценической площадкой, однако полуразрушенная балюстрада и прозаические фигурки занятых своими дела­ми людей придают ей человеческую теплоту.  В конце XVIII века Гюбер Робер был одним из самых модных художников Парижа. Декоративные панно Робера покупали во всех странах Европы, они украшали Зимний дворец русских царей в Петербурге, усадьбы Шуваловых, Голицыных, Строгановых. Этот пейзаж находился во дворце Юсуповых. После завершения учебы в Париже, Робер долгое время жил в Риме. Он путешествовал по Италии, делал наброски античных руин и архитектуры Возрождения, ставшие позже материалом для его декоративных полотен. Красота композиции и услов­ный колорит придают особую декоративность пейзажам Робера. Н. В. Бродская

Бернардо Беллотто (1720-1780) - Италия. Пирна с правого берега Эльбы. 1747—1755 С правого берега Эльбы виден весь городок Пирна и старый немецкий за­мок Зонненштайн. Дома и кроны деревьев отражаются в зеркальной воде, создавая ощущение неправдоподобной тишины и покоя.  В XVIII веке никто не умел так, как художники Венеции, передать гармонию воды и земли. Беллотто был венецианцем, племянником Антонио Канале, прозванного Каналетто. У дяди он обучился особому виду пейзажа, который в Венеции полу­чил название «ведуто» («вид»). Из уважения к своему дяде, Беллотто иногда подписывал картины его прозвищем: Каналетто, добавляя Младший. В 25 лет он покинул Венецию, путешествовал по Германии, Австрии и, в конце концов, обосновался в Польше.  Этот пейзаж входит в серию из 15 видов Дрездена и Пирны, заказанную графом Брюлем, министром саксонского ко­роля. Германию художник писал по всем правилам «ведуто». Его живопись отличалась такой точностью, что после второй мировой войны ее использо­вали для в

Каспар Давид Фридрих (1774-1840) - Германия. Исполиновы горы. 1835 Пейзажи Фридриха построены на впечатлениях от реальных мест — Балтий­ского побережья, где он родился, и южной Германии. Большую часть жиз­ни он прожил в Дрездене и любил путешествовать по горам. Однако в них нет натурности, они кажутся почти неземными. Голубые горы простираются до горизонта, и прямо на наших глазах вздымаются складки земной коры, застывая волнами скал. Картины Фридриха как бы переносят нас в первый день творения, а крохотные человеческие фигурки только усиливают трепет перед силами природы. Германия первой половины XIX века жила под знаком романтизма. Обраще­ние к средневековой мистике, осознание одиночества человека в огромном мире, тоска и, одновременно, восторг перед величием природы — таковы были настроения, характерные для литературы. Художник, связанный с кружком писателей-романтиков, переводил эти ощущения в зримые образы.  Н. В. Бродская

Рауль Дюфи (1877-1953) - Франция. Регата. Парусники в гавани Довиля. 1936 Дюфи родился на берегу Ла Манша, его любимым мотивом навсегда оста­лось море. Он не уставал изображать маленькие бухты, карабкающиеся на холмы дома и парусные яхты. Один из биографов Дюфи рассказывал, что ху­дожник выкрасил стену в своей комнате в голубой цвет, чтобы небо было всегда перед его глазами. Здесь и море, и небо серо-голубые — кажется, что цвет его живописи по­мерк по сравнению с тем временем, когда он выставлялся вместе с Матис­сом. Однако это зависит, скорее, от неяркого дня — Дюфи навсегда сохранил «фовистскую» звучность красок. Неизменной оставалась и его манера свобод­но рисовать кистью.  Дюфи обладал даром делать каждый обычный мотив волшебным и декоративным. Он создавал удивительные произведения в ке­рамике, расписывал ткани — во втором десятилетии XX века весь Париж был одет в краски Дюфи.  Для Всемирной выставки 1937 г. он выполнил огром­ную стенную роспись под названием «Фея электричества». Н